SANTIAGO SIERRA (MADRID, ESPAÑA, 1966)
TRACEY EMIN (CROYON, REINO UNIDO, 1963)
TERESA CORREA (GRAN CANARIA, ESPAÑA, 1961)
RIGOBERTO CAMACHO (LANZAROTE, ESPAÑA, 1985)
ISIDRO LÓPEZ APARICIO (JAÉN, ESPAÑA, 1967)
LOTTY ROSENFELD (SANTIAGO, CHILE, 1943 – SANTIAGO, CHILE, 2020)
ENRIQUE JEZIK (CÓRDOBA, ARGENTINA, 1961)
JULIETA HANONO (BUENOS AIRES, ARGENTINA, 1963)
TERESA MARGOLLES (SINALOA, MÉXICO, 1963)
MOUNIR FATMI (TÁNGER, MARRUECOS, 1970)

COMISARIOS: CARLOS DELGADO MAYORDOMO Y ADONAY BERMÚDEZ

El objetivo de esta exposición es reflexionar sobre la relación entre arte y política y las formas en las que se configura tal relación.

Las obras seleccionadas operan desde el disturbio la Razón (entendida como orden dominante) con el objetivo de generar conocimientos contrafácticos, situados en el afuera del pensamiento y de los discursos establecidos.

La exposición desgrana metodologías e investigaciones empleadas para interpelar los principales conflictos del actual proceso de globalización neoliberal, como las fronteras y los estados amurallados, el declive de la democracia, la presión migratoria, los feminicidios o las necropolíticas.

En definitiva, los trabajos reunidos en Bienes ocultos no solo tratan de revelar las estructuras del poder, sino también el potencial del arte para poner en escena las ganancias que genera el análisis crítico y simbólico de dichas estructuras.

EUGENIO MERINO (MADRID, ESPAÑA, 1975)
MIGUEL G. MORALES (TENERIFE, ESPAÑA, 1978)

La exposición tiene como punto de partida la desaparición de cientos de personas durante la Guerra Civil y el Franquismo en Canarias, centrándose especialmente en la figura del poeta tinerfeño Domingo López Torres.

El mar, los documentos, las fotografías, los poemas, la memoria y los artistas son obstinados, testarudos y tercos.

Van dejando trazas, vestigios, huellas y objetos que, ni la larga noche de piedra de la dictadura, ni el paso de los años, ni el salitre marino, consiguen borrar o hacer desaparecer.

Por eso, Eugenio Merino y Miguel G. Morales, con su obra “Monumento a la oscuridad”, pueden seguir el rastro de los lugares infames donde reposan los restos de las víctimas mortales de la represión franquista en Tenerife.

Ilustra, como botón de muestra, el triste sumidero de las gentes que fueron asesinadas en la retaguardia durante la guerra civil.

AVELINO SALA (Gijón, Asturias, 1972)

En esta línea, con Museo Arqueológico de la Revuelta, Sala juega irónicamente con el formato de vitrina de archivo clásica para mostrar en clave de registro museográfico una serie de piedras recogidas en diferentes manifestaciones del mundo.

La obra se convierte así en una crónica global de resistencias donde, más allá de las particularidades de cada una de las acciones de protesta, habla de la necesidad de tomar medidas ante el claro fracaso de los relatos construidos hasta ahora, para cimentar un nuevo paradigma más justo y sostenible.

Tal es el caso de la piedra proveniente de Asturias, lugar de procedencia del artista, cuyas manifestaciones provocadas por la reconversión de la minería nos llevan a pensar, por un lado, en la urgencia de una sociedad desfosilizada, y por otro, en la necesidad de medidas que deben tomarse de acuerdo a una transición justa y redistributiva.

Las piedras de Sala, mismas con las que suelen construirse las barricadas — otro elemento referencial en el trabajo del artista— le sirven para poner un punto de ironía a su particular manera de abordar la iconoclastia.

El simbolismo de la piedra como objeto arqueológico, y por tanto huella civilizatoria, es en este caso la de una civilización turbulenta: la única que está acabando consigo misma.

En ese sentido, la transición ecosocial continúa en los museos y espacios culturales manteniendo una distancia de seguridad, como si se tratase de un escenario de sombras chinescas donde la complicidad con la petrosoberanía global opera desde bambalinas.

EMILIO SILVA (Navarra, España, 1965)

El pasado es un depósito repleto de significados.

La recuperación de la memoria histórica es un proceso en el que se desentierra un pasado oculto, reprimido, ese que ha hecho a muchas familias y colectivos producir y reproducir la orden de que «no te signifiques».

El reto de una sociedad que ha vivido hechos traumáticos es abrir paso a la verdad, dejar que trabaje la justicia y permitir que se pueda expresar todo ese dolor.

Ex-presar que significa dejar de estar preso.

Emilio Silva es un sociólogo y periodista español, activista por la recuperación de la Memoria histórica.​

Además, es uno de los fundadores y presidente de la Asociación para la Recuperación de la Memoria Histórica (ARMH), un colectivo que lleva años buscando las fosas en las que fueron enterradas víctimas de la represión en la zona franquista durante la Guerra civil española y la posterior dictadura de Francisco Franco.

SAMI NAÏR (Tremecén, Argelia, 1946)

Lo que ha pasado, en 2015, con el rechazo de los refugiados procedentes de Oriente Medio, había sido interpretado un golpe duro por parte de la UE a sus propios valores democráticos.

Lo que ocurre hoy en día, desde la invasión a Ucrania, con la acogida incondicional de más de 5 millones de refugiados de este país, da otra imagen, positiva y felizmente humanitaria.

Pero, ¿sería que la UE practica la política de doble rasero? Sami Naïr intentará reflexionar sobre esta paradoja.

Sami Naïr es un político y pensador francés de origen argelino que ha destacado como uno de los más brillantes especialistas europeos en cuestiones de inmigración y como asesor del gobierno francés para las políticas relacionadas con estos movimientos de población.

En su obra ha plasmado su sueño de un mundo solidario, en el que la integración de los inmigrantes y la superación de las diferencias entre hombres y culturas se produzca mediante un diálogo enriquecedor.

MARIUS IONUT SCARLAT (Mizil, Rumanía, 1993)

Marius Ionut Scarlat en su proyecto fotográfico Youth without age and life without death analiza cómo el seguimiento de los rituales funerarios que aún perdura en muchas sociedades supone dedicar gran parte de la energía de una vida en planificarlos.

Partiendo de sus propias vivencias, se adentra en los ritos mortuorios ortodoxos de la cultura rumana, de la que procede.

TANIA CANDIANI (Ciudad de México, México, 1974)

Red de migraciones. El camino de la cochinilla / Red de migraciones. La plaga que llegó de México

En Camouflage (2020) Candiani recreó las fotografías de Dorothea Lang de 1942 donde mujeres americanas de origen japonés encarceladas en campos de concentración tejían enormes redes de camuflaje, visibilizando así el trabajo forzado.

Para la Bienal de Lanzarote la artista invita a mujeres del archipiélago a emular el trabajo de aquellas prisioneras, pero esta vez con tiras teñidas con grana cochinilla, evidenciando como las migraciones derivadas del comercio entretejen una red capaz de cambiar a las sociedades, incluso al paisaje de un territorio.

CARLOS MARTIEL (La Habana, Cuba, 1989)

Performance realizada dentro de Tiempos de la intuición, en el Pabellón de Cuba – 57ª Bienal de Venecia, Palazzo Cavalli-Franchetti, Venecia, Italia. Bajo el comisariado de José Manuel Noceda.

Permanezco arrodillado en el nivel inferior de una estructura de metal y de cristal inspirada en el diseño de los antiguos relojes de arena.

El nivel superior está lleno de agua del mar Mediterráneo que poco a poco se filtra por un orificio hasta llenar el espacio donde me encuentro.

MARCO MONTIEL-SOTO (Maracaibo, Venezuela, 1976)

Viajero e inmigrante, la obra de Marco Montiel-Soto explora las intersecciones entre territorios políticos y poéticos, tradiciones, arqueología, mitos, muerte, cosmos y caos.

Marco Montiel-Soto, dentro de la XI Bienal de Arte de Lanzarote, presenta dos piezas.

Por un lado,Tratado de maracasnegras (2022), un vídeo donde se ven dos maracas danzando en las islas Canarias, en un paisaje surreal volcánico en los alrededores de Teseguite, Lanzarote.

Teseguite significa poblado o aldea, un pequeño y tranquilo pueblo que fue fundado por esclavos, a los que se les prohibió instalarse en la antigua capital de la isla, Teguise.

Las maracas son instrumentos musicales que probablemente llegaron desde África durante el periodo de comercio de esclavos, aunque hay evidencias de que se utilizaban en ceremonias y rituales en muchas de las culturas nativas de todo el continente Americano.

Y, por otro lado, Montiel-Soto presenta Paralelismo tropical de la ausencia (2022), una instalación compuesta por un sepulcro que nos recuerda que la historia está mal escrita y que bajo el manto de lava de la Virgen se esconden muchos elementos africanos.

La colonización del nuevo mundo y el comercio tricontinental de esclavos se entrecruzan en este puente trasatlántico con máscaras y maracas negras, flujos migratorios y surrealismo social, simbología y cultura mestiza, sarcófagos y piratas.

Una procesión por el infinito vacío en donde la Fortaleza del hambre se retuerce con el Timanfaya.

XIMENA LABRA (Ciudad de México, México, 1972)

Monumentalidad alucinatoria.

Ya hemos hablado del fracaso artístico e histórico inherente del monumento existente a las víctimas de 1968.

Parecería imposible que la placa que actualmente conmemora a los muertos en la Plaza de Tlatelolco llegara alguna vez a activar la memoria social de 1968, especialmente teniendo en cuenta el extraordinario deterioro del conjunto habitacional en el que se encuentra.

Inspirándose en parte en el principio de la visionaria película 2001: ‘Una odisea del espacio’ (1968) de Stanley Kubrick, que representa el descubrimiento de una escultura misteriosa y minimalista en el espacio exterior, la artista Ximena Labra diseñó una estrategia para infundirle poderes alucinantes al monumento a las víctimas de Tlatelolco.

Utilizando las mismas técnicas con las que se reproducen las obras precolombinas y otras piezas arqueológicas con fines educativos y museísticos, hizo reproducir el monumento original de 1993 en fibra de vidrio para obtener tres réplicas más a tamaño natural.

A continuación, durante dos meses, hizo erigir temporalmente sus monumentos, tanto al lado del monumento original (para tener los cuatro juntos), como en otros lugares públicos de mayor eficacia simbólica: la céntrica plaza del Zócalo, el Palacio de Bellas Artes, la estación de metro Insurgentes y el recinto del Monumento a la Revolución.

De alguna manera, esta migración física le devolvió al monumento un valor de novedad, llevándolo a un público que probablemente nunca lo hubiera visitado en su emplazamiento original.

Si la gente no iba al monumento, ¿por qué no llevar el monumento a la gente?

Al mismo tiempo, toda la acción se llevó a cabo como una prueba hipotética, casi científica, del fracaso de este género de objetos escultóricos.

El público daba por sentado que esta placa no debía estar ahí, pero se comportaba sin poner en duda la validez simbólica de las copias de la plaza de Tlatelolco, y sometía esas copias a las condiciones espaciales y prácticas específicas que prevalecían en su nuevo contexto.

En una palabra, los monumentos móviles no lograron transformar significativamente su entorno en un espacio de luto.

Vista en retrospectiva, la acción se convirtió en una crónica detallada de la banalidad del arte urbano, permitiendo al artista documentar el paradójico uso eficaz de los monumentos de la ciudad, ya fuera como fetiches políticos de la nueva era o como mobiliario urbano, e incluso como lugares de encuentro erótico.

La poesía refinada de su contraste entre fantasía y banalidad hacen de la obra de Labra una de las lecturas más interesantes del comportamiento del arte público que se han producido en la región.

GERSON DÍAZ (Lanzarote, España, 1977)

Taller participativo con jóvenes de entre 13 y 17 años realizado en IES Playa Honda, CEO Playa Blanca, IES San Bartolomé y CEO Ignacio Aldecoa.

Exposiciones programadas:

Dónde y cuándo:

Del 12 de enero 2023 al 29 de enero de 2023 en el Centro de la Cultura Benito Pérez Armas (Yaiza). La inauguración tendrá lugar el día 12 a las 19:00 horas..
Del 10 febrero al 3 de marzo de 2023. Centro Socio-Cultural de La Graciosa (Teguise).

La fotografía participativa es una metodología que encuentra sus principales influencias en las teorías de la comunicación participativa, el enfoque de la investigación participativa y la pedagogía critica.

Esta metodología viene siendo aplicada alrededor del mundo por diversas organizaciones y fotógrafos particulares, quienes creen en la posibilidad de la participación y de la fotografía para empoderar a las comunidades como agentes de su propio cambio.

El objetivo del taller es reflexionar sobre los hábitos alimenticios de la juventud de Lanzarote y La Graciosa, tanto por parte de los participantes en el taller como del público en general, y del uso de la fotografía como medio de comunicación actual de los jóvenes, a través de la diferentes redes sociales.

Este proyecto participativo está lejos de ser un taller meramente asistencial y busca que las personas involucradas logren identificar, a través del trabajo fotográfico y de la reflexión grupal, elementos relevantes, distinguiendo aspectos positivos y negativos, y así motivar un cambio.

COSTA BADÍA (Madrid, España, 1980)
CIC El Almacén. Patio.

La artista presenta una performance en la que hace visible las dificultades que tienen las mujeres con discapacidad en cualquier situación cotidiana.

La propia Badía se presenta realizando distintas actividades consideradas femeninas, pero que nunca llegan a ejecutarse del todo; actos habituales y a la vez imposibles.

ADALBERTO DE LA CRUZ CORREA (Tenerife, España, 1986)

Adalberto de la Cruz Correa es Magistrado Juez Decano de Arrecife y del Juzgado de Primera Instancia num. 2 – Portavoz Provincial Las Palmas de la Asociación Judicial Francisco de Vitoria.

¿Qué es la Justicia Social? ¿Tienen los Jueces y las Juezas de nuestro país algún papel en la misma? ¿Cuáles son los límites? Reflexión, bajo una perspectiva crítica y de mejora, sobre estas y otras cuestiones relativas a Derechos Humanos, Sociedad y Justicia en la actualidad.

VERÓNICA PONTE GARCÍA (Santander, España, 1986)

La igualdad es un tema que está al orden del día: feminismo, LGTBIQ+, racismo…

Sin embargo, no todos estamos en la misma página y, de hecho, es un tema muy controvertido.

¿Es posible acercar posturas?

El objeto es explicar de forma didáctica el fenómeno de violencia sobre la mujer y los delitos de odio y fomentar un debate inclusivo y respetuoso.

Verónica Ponte García es Magistrada de Primer instancia e Instrucción num. 6 de Getxo (Vizcaya) e integrante del Comité Nacional de la Asociación Judicial Francisco de Vitoria.

ARS MAGNA

Un proyecto de la Asociación Cultural y Artística Ars Magna coordinado por Víctor G. Morenoy Elena Zabalza para la 11 Bienal de Arte de Lanzarote.

Durante el confinamiento y después las distintas fases de la pandemia generada por la COVID-19 nos preguntamos qué ha pasado en nuestro barrio, qué ha sido de mucha gente que ya no vemos, cómo han cambiado las vidas de estas personas, incluso la nuestra como vecinos.

Muchos medios se preocuparon en su momento de acercarse para captar dichas impresiones, pero ya no se encuentran disponibles, ya no sirven, ya no son noticiables.

Hemos querido reapropiamos de ese aviso en la red social Instagram para el título del proyecto, el cual nos avisa que cierta historia «ya no se encuentra disponible».

Letras blancas sobre un fondo negro que nos notifica que ya han pasado veinticuatro horas desde su publicación, animándonos a seguir viendo historias, porque si no somos rápidos nos las perderemos.

A partir de este contexto trabajaremos desde la experimentación geográfica, usando diferentes medios y metodologías para mapear la vida y el territorio del barrio de Valterra y Puerto Naos en Arrecife—cercanos al Museo Internacional de Arte Contemporáneo. MIAC-Castillo de San José—y construir un «pseudoarchivo» documental basado en el texto, la imagen fija y el sonido.

Para ello, se invitará a varios creativos y creativas y/o colectivos especializados a trabajar conjuntamente con ArsMagna, siempre buscando crear redes de colaboración con los barrios, vecinos, asociaciones y colectivos.

CARMELA GARCÍA (LANZAROTE, ESPAÑA, 1964)
MARINA VARGAS (GRANADA, ESPAÑA, 1980)
MARTHA ROSLER (NUEVA YORK, EEUU, 1943)
JULIA GALÁN (VALENCIA, ESPAÑA, 1963)
DORIS SALCEDO (BOGOTÁ, COLOMBIA, 1958)
AGNES ESSONTI (BARCELONA, ESPAÑA, 1996)
SHADI GHARIDIAN (TEHERÁN, IRÁN, 1974)

COMISARIA: SEMÍRAMIS GONZÁLEZ

A partir de un fragmento de “La hermana, la extranjera” de Audre Lorde se toma como punto de partida la idea doble que obsesionó a la escritora y que sigue siendo fundamental en el papel del feminismo hoy: la ruptura del silencio patriarcal.

Las obras presentes en este proyecto fluctúan desde perspectivas y momentos muy diversos, desde obras casi históricas a otras totalmente actuales, pero tienen en común su enunciación, la capacidad de hablar y visibilizar aquellos silencios que han condenado las vidas de las mujeres durante décadas.

Lo que el racismo invisibiliza, la opción sexual, los cánones patriarcales de belleza, las perpetuidad del patriarcado incluso en las legislaciones de muchos países, la frontera… “Las palabras que aún no poseemos” reivindica la imagen como esa otra palabra para visibilizar, para denunciar y para transformar el mundo.

Letras blancas sobre un fondo negro que nos notifica que ya han pasado veinticuatro horas desde su publicación, animándonos a seguir viendo historias, porque si no somos rápidos nos las perderemos.

A partir de este contexto trabajaremos desde la experimentación geográfica, usando diferentes medios y metodologías para mapear la vida y el territorio del barrio de Valterra y Puerto Naos en Arrecife—cercanos al Museo Internacional de Arte Contemporáneo MIAC -Castillo de San José— y construir un «pseudoarchivo» documental basado en el texto, la imagen fija y el sonido.

Para ello, se invitará a varios creativos y creativas y/o colectivos especializados a trabajar conjuntamente con ArsMagna, siempre buscando crear redes de colaboración con los barrios, vecinos, asociaciones y colectivos.

PATTY CHANG (San Francisco, EEUU, 1972)

Melons es un vídeo basado en imágenes y un guión sobre la muerte de su tía por cáncer de mama y el vacío de emociones en su memoria.

El texto es una construcción de rituales que juega con las nociones de lo auténtico.

El acto de hacer malabarismos con el texto y las imágenes sumerge al espectador en una tercera narrativa imaginada.

Eve Oishi escribe sobre la obra de Patty Chang: «La mejor manera de describir sus piezas de performance es como actos de equilibrio, no sólo por la forma en que manipula su cuerpo, sino por su capacidad de crear obras que yuxtaponen la quietud absoluta con la tensión explosiva, el humor socarrón con la revelación incisiva y el comentario penetrante con la fuerza emocional».

JENNY JARAMILLO (Quito, Ecuador, 1966)

Al posibilitar la inscripción del cuerpo en el flujo contingente de una temporalidad significativa, el vídeo le permitió reflexionar sobre las distintas potencialidades críticas de la performance.

La escena performativa inscribe un cuerpo consciente de la mirada que lo constituye, este deviene sujeto y objeto del flujo experiencial que lo modela.

MÓNICA MAYER (Ciudad de México, México, 1954)

¡NO A LAS MATERNIDADES SECUESTRADAS!

Cada vez me cuesta más trabajo explicar mi trabajo porque puede parecer muy laberíntico, pero ahí les va.

En 2011, empecé un proyecto de larga duración que se llama De Archivos y Redes en el que asisto a diversos acervos, me adentro a sus materiales y de ahí sale una pieza que se llama, por ejemplo, Visita al Archivo del Museo del Chopo.

Este recorrido me ha permitido trabajar con los materiales de instituciones como Ex Teresa Arte Actual (Ciudad de México), los archivos del crítico Olivier Debroise y el de la fotógrafa y editora feminista Ana Victoria Jiménez o, incluso, el que conformamos Víctor Lerma y yo, conocido como el Archivo Pinto mi Raya.

Para cada «visita» generalmente genero un par de obras.

Por ejemplo, de Visita al Archivo de Ana Victoria Jiménez, salieron: Archiva: obras maestras del arte feminista en México (México, 2013) y Maternidades Secuestradas (México, 2012).

Ésta última la realicé después de encontrar imágenes de Jiménez de la primera manifestación a favor del aborto a la que asistí en la Ciudad de México en 1977 y plantearme qué tanto había cambiado la situación en mi país en estas décadas.

Pero el enredo sigue.

Maternidades Secuestradas, consistió en una serie de reuniones con artistas y activistas feministas para trazar los problemas actuales de las maternidades desde nuestras experiencias personales.

Las jóvenes mencionaban que, aún hoy en día, sus familias las presionaban a casarse y tener hijos.

Otras compartieron las historias de abortos mantenidos en secreto o no faltaban las que, a pesar de haber decidido no procrear, les había tocado cuidar a familiares.

Una vez identificados varios grupos, cada uno convocó a otras mujeres afines y tuvieron sus propias reuniones para ampliar y matizar las ideas sobre el tipo de maternidad que enfrentaban en nuestro sistema capitalista, patriarcal y colonizado, con todo lo que ello implica. De ahí brincamos a las redes sociales e invitamos a todas las personas a compartir sus ideas completando el hashtag #UnaMaternidadSecuestradaEs.

Por último, el 11 de mayo de 2012, con cerca de 800 respuestas, realizamos una manifestación/performance llamada La protesta del día después, de la cuál salieron un par de pequeños videos como el que participa en esta bienal.

Maternidades Secuestradas siguió creciendo.

Tras convocar a un grupo de artistas y activistas a embarcarse en un proceso similar en Argentina, el 25 de noviembre de 2019 se llevó a cabo Maternidades en Tensión que consistió en un contingente que realizó una acción durante la marcha en contra de la violencia hacia las mujeres en Buenos Aires.

También hice Maternidades en Pandemia, pero esa explicación la dejo para otro momento.

Si usted terminó de leer esta larga explicación (me dicen que la gente que va a exposiciones no lee cédulas de más de 50 palabras), es posible que le interese saber más de la pieza.

En tal caso, pase a visitar mi blog del proyecto en http://www.pintomiraya.com/redes/.

MARINA VARGAS (GRANADA, ESPAÑA, 1980)
TERESA CORREA (GRAN CANARIA, ESPAÑA, 1961)

MODERA: SEMÍRAMIS GONZÁLEZ

A partir de la frase de George Sand «no somos sólo cuerpo, o sólo espíritu, somos cuerpo y espíritu a la vez», esta mesa redonda pone en diálogo a las artistas Marina Vargas y Teresa Correa para relatar la experiencia del cáncer de mama como un proceso también artístico, que rompe con las representaciones patriarcales estereotipadas de las mujeres a lo largo de la historia.

La enfermedad nombrada, visibilizada pero también como lugar para la creación, la apuesta por otros lenguajes y miradas y la ruptura definitiva con la imposición única de cuerpos irreales.